lunes, 6 de noviembre de 2017

"Magma Traslúcido" de Alberto Castellanos


"Magma Traslúciddo"

Del 10 de Noviembre al 10 de Diciembre de 2017

Inauguración: Viernes 10 de Noviembre a las 20:00h.





“Magma Traslúcido” de Alberto Castellanos



Pocas veces se concentra la claridad de los colores con la técnica de la acuarela para conseguir capas de pintura finas y traslúcidas como lo hace Alberto Castellanos. 

El artista recurre a la experimentación para encuadrar sus creaciones artísticas en un halo envolvente con la que las deja suspendidas en una composición dinámica de gran expresividad cromática. Es más, dentro de la pintura abstracta que basa su efecto estético en las cualidades específicas del color, consigue realizar una serie de composiciones asociadas al acto de la ensoñación. La pintura diluida crea una textura que funciona como expresión de lo emocional, de tal modo que la luminosidad y el brillo del color quedan matizados. Hay una cierta espesura y opacidad buscada para recrear un mundo onírico que no permite ver con suficiente nitidez aunque sí emocionarse sin saber por qué. 

En esa atmósfera característica que irradian sus configuraciones artísticas, el color a modo de magma cromático sobresale por su capacidad para conectar con eficacia psicológica a causa de su gran impacto estético. 

En definitiva, lo irrepresentable sobre papel queda plasmado en ese esfuerzo creativo, de carácter neosurrealista, con el que el artista pugna por conciliar lo manifiesto y lo latente hasta dar consistencia y verter en energía visual sus propias abstracciones emocionales. 

Si resulta atrayente la obra de Alberto Castellanos es sobre todo por utilizar el diálogo interior de sus sensaciones subjetivos-emocionales como la génesis configurativa de sus obras pictóricas y, con ello, lograr un juego de luz y sombra con el que modular lumínicamente la memoria, la vigilia y el sueño.



Amparo Zacarés – Universitat Jaume I - UJI

Associaciò Valenciana de Crítics d´Art - AVCA





domingo, 17 de septiembre de 2017

"Reflejos", de Monique Thomas


"Reflejos"

Del 6 de Octubre al 6 de Noviembre de 2017

Inauguración: Viernes 6 de Octubre a las 20:00h.




Reflejos, de Monique Thomas


Sin duda la pintura de Monique Thomas lleva implícita una tendencia lírico-expresiva que ella misma se encarga de desvelar cuando afirma que busca en su paleta una abstracción cada vez más libre. En esta línea de laboriosidad artística, convierte su pintura en una suerte de armonía rítmica con la que adentrarse en los intersticios poéticos de una realidad interior, propia e inconsciente. De este modo su creatividad resulta próxima a las formas irreflexivas de expresión artística del Art Brut. 

Al fin y al cabo la génesis de su pintura radica en la emoción y la intuición y en su capacidad para mezclar los recuerdos del pasado con el presente y esperar el futuro. Es en esta sucesión temporal en la que sus cuadros se entienden como reductos de una memoria que sabe cuán doloroso resulta vivir y cuán hermoso puede serlo a pesar de todo. 

Por ello, esta exposición refleja el esfuerzo arqueológico con el que la artista rastrea en sus vivencias y afronta el arte, es decir, la vida. No es extraño pues que su paleta contenga colores manifiestamente telúricos y orgánicos y que la composición de sus cuadros desvele un espacio artístico vibrátil, dinámico y vivo. Por el modo de su composición conjunta y de las texturas, subyace en toda su obra una atmósfera que irradia un viaje interior y que apunta a sensaciones subjetivo-emocionales con las que configurar, sin forma aparente, la totalidad de lo sentido. 

Si algo trasciende a la contemplación de la obra de Monique Thomas es la sensibilidad estética con la que combina lo racional y lo irracional y con la que se inspira. No cabe duda, se trata de una artista que trabaja desde el reflejo luminoso e intenso de sus recuerdos y que los convierte en lienzos con una estructura composicional propia de la abstracción lírica. 



Amparo Zacarés – Universitat Jaume I - UJI



Associaciò Valenciana de Crítics d´Art - AVCA

martes, 13 de junio de 2017

"Diálogo Cubista" de Albert Sesma


"Diálogo Cubista"

Del 16 de junio al 16 de julio de 2017

Inauguración: Viernes 16 de junio a las 20:00h.



Diálogo Cubista, de Albert Sesma


No es la primera vez que la Galería O+ O acoge las obras de Albert Sesma,
un artista que vierte su reconocida pasión por las estructuras geométricas
en composiciones paisajistas urbanas de gran impacto estético. En el
conjunto de su obra destaca su esfuerzo artístico por asimilar la realidad
dentro del cuadro proponiendo, en su representación objetiva, un
reencuentro con el realismo de las corrientes estilísticas más recientes.
Discípulo de Antonio López, la pintura de Albert Sesma adquiere en su
selección temática un tono documental, cuasi fotográfico, abierto a la
complejidad cromática que la realidad manifiesta como acontecimiento
temporal y causal. En esta tesitura la estructuración sistemática que
contienen sus cuadros muestran cómo su pintura concilia el alejamiento
de una imitación meramente naturalista para volcarse en categorías
formales con las que trasladar simetría en el lienzo.
En su obra sobresale la sistematización del color y la estructuración del
espacio para ofrecer un perspectiva formal donde el volumen de los
elementos acaparan la superficie del cuadro en un intento por representar
las escenas con formas cúbicas diversas y, al mismo tiempo, dotarlas de
corporeidad y materia.
De ahí lo acertado de titular la exposición “diálogo cubista”. Es más, en el
terreno del color establece una fructífera tensión lineal-geométrica con la
que consigue articular de forma dinámica la descripción objetiva que nos
propone en cada cuadro. De esta manera su pintura es el exponente de esa
nueva objetividad que reaccionó contra el arte conceptual para conectar con
la representación afirmativa de las cosas y donde la nueva figuración ha
encontrado un mundo artístico en el que anidar la conciencia de la realidad
hasta el punto más insospechado y recóndito.

Amparo Zacarés – Universitat Jaume I - UJI

Associaciò Valenciana de Crítics d´Art – AVCA


lunes, 8 de mayo de 2017

"Génesis" de Pilar Monleón


"Génesis"

Del 12 de mayo al 12 de junio de 2017

Inauguración: Viernes 12 de mayo a las 20:00h.



Génesis, de Pilar Monleón


La obra de Pilar Monleón parece inspirada por una fusión de la historia natural y la ciencia ficción que se combinan en unas pinturas que transmiten la hermosa revolución del movimiento, el espacio y el tiempo.
Desde el punto de vista de la filosofía taoísta las formas naturales no se hacen, sino que crecen, y estas obras son como una expansión natural, orgánica (por contraposición a lo mecánico).
Recurro a la referencia taoísta porque las cosas que se hacen, como las casas, los muebles y las máquinas, son un conjunto de piezas juntas, montadas o moldeadas, desde el exterior hacia el interior; pero las cosas que crecen, como las obras de Monleón, se forman de dentro hacia fuera, no son conjuntos de partes originalmente distintas, se reparten por el soporte, elaboran su propia estructura desde el todo hasta las partes, desde lo simple hasta lo complejo.
Seguramente cada una de las pinturas obedezca a un plan compositivo premeditado, a una distribución de colores y volúmenes; no le estoy restando conceptualidad a la obra, pero el resultado no es algo construido, basado  en materiales y herramientas, son obras cultivadas al igual que una flor o un árbol, pero con las semillas del color y la estética.
El resultado es una obra que emerge de procesos simples, a partir de decisiones lógicas, para terminar en una composición viva, compleja.
También me sugieren mundos ocultos, microscópicos o espaciales. Macro y micro ocurrencias orgánicas que están en curso constante, progresiones naturales que pertenecen al paso del tiempo.
Arte abstracto con una sensibilidad cruda, casi telepática, y de vibrante emoción. Pinturas que huelen a una cierta familiaridad interior, a algo muy fundamental y esencial en nuestras vidas, a las complejidades orgánicas que nos rodean, a veces con serenidad, a veces como complejos sistemas de capas de desintegración y destrucción.
Volviendo a la referencia taoísta, toda la vida responde a la evolución primitiva, tangible, de nuestro planeta, sólo que algunos, como Pilar Monleón, están un poco más cerca de la fuente. Le pediría al espectador que se posicione ante la obra y se integre dentro de las extrañas formas en evolución que se asemejan a las anémonas de mar. Puede entonces sentirse parte de la evolución del mundo, u optar por dejar volar la imaginación y soñar que está en un espacio alienígena alternativo. En cualquier caso, disfruten de una experiencia surrealista e inmersiva de la génesis del mundo que los rodea.
Joan Feliu
Universitat Jaume I

domingo, 2 de abril de 2017

"La Diversidad, un Tesoro" AL.GA.MAR

"La Diversidad, un Tesoro"


Del 7 de Abril al 7 de Mayo de 2017


Inauguración: Viernes 7 de Abril a las 20:00h.




“La Diversidad, un Tesoro”

Alfredo García - AL·GA·MAR


Las obras que se exponen en la Galería Oriente+Occidente, bajo la autoría artística de AL·GA·MAR no pueden ser más sugerentes ante la potencialidad estética que la diversidad entraña. A partir de distintos recursos técnicos el artista desarrolla un lenguaje pictórico donde da protagonismo a la diverso frente a lo homogéneo. No es una mera casualidad que retome el legado del arte contemporáneo para interpelarnos, de manera crítica y emotiva, sobre el mundo en que vivimos. De este modo la interculturalidad, como base para un mejor entendimiento y respeto mutuos, subyace en su propuesta estética desde su paso y participación en el Art Fair, celebrado en Santorini e impulsado por la UNESCO en 2016. 
Destaca el uso de la tinta china como recurso para pintar de forma espontánea y automática, propia de la fuerza abstracta y emocional con la que el artista afronta su trabajo. La experiencia sensorial la vincula con un proceso accional creativo y dinámico que manifiesta no sólo la subjetividad del mismo artista sino también la actividad propia de la tinta en su devenir dentro del lienzo o papel. En la acción ejecutada impulsivamente, sin reflexión previa, es donde emerge la autoafirmación del flujo imaginativo con el que las manchas de tinta china parecen cobrar vida. 
Junto a ello , en el tratamiento del color, utiliza acrílicos y rotuladores y como soporte papel, poliéster, lienzo o tabla. Esta técnica que incluye a la vez tinta y colores sintéticos, tiene un gran impacto estético-visual tanto en las recreaciones más figurativas como en las composiciones abstractas . En general la estructura composicional de las obras, con independencia de sus dimensiones, contiene una peculiar fuerza expresiva. Lo mismo ocurre en aquellas piezas en las que el artista se vale del collage. Puede decirse que en la combinación de estos recursos artísticos como forma de investigación pictórica, se encuentra la versatilidad de un artista profundamente marcado por la recreación de un campo expresivo, tan variado como diverso, en su afán por descubrir las múltiples posibilidades expresivas que el uso de la tinta china contiene. De ahí la originalidad de esta muestra que devuelve a la actualidad las técnicas del tachismo y del collage, con la intención de situar la capacidad cinética en las mismas manchas de tinta desde su fase inicial de creación, dejando que discurran con su propio movimiento, hasta quedar fijadas en el soporte elegido por el artista. En definitiva, es esta una exposición que tiende puentes entre lo diverso con la finalidad de evocar un mundo rico en contrastes plásticos de gran valor estético.


Amparo Zacarés – Universitat Jaume I - UJI

Associació Valenciana de Crítics d´Art - AVCA

martes, 28 de febrero de 2017

"Mar de fondo" de Antonio Pardinas

"Mar de fondo"


Del 3 al 30 de Marzo de 2017


Inauguración: Viernes 3 de Marzo a las 20:00h.



“Mar de fondo”

La Galería O+O presenta, en esta exposición, la obra escultórica de Antonio Pardinas.

“Creo firmemente que un paseo por la playa con Antonio Pardinas haría que todas las formas nos hablaran, se recrearan como si en la naturaleza no hubiera nada indiferente o innecesario. Y es que Pardinas crea con la naturaleza, modelándola solo lo necesario para hacer nacer con ella una nueva vida. Juega con apariencias naturales que no solo engañan, sino que embaucan. Con mesurada limitación, con aquel estar libre de las emociones más salvajes, con aquella sabiduría y sosiego del escultor. Y digo sosiego pensando bien el adjetivo, pues el ojo de Pardinas posee sosiego. Se halla siempre bañado en la solemnidad de la bella apariencia con que sabe convertir todo cuanto toca.

La obra anula el principium individuatiotis (principio de individuación), con lo que lo subjetivo desaparece totalmente ante la eruptiva violencia de lo general, de lo humano, y más aún, de lo natural y en consecuencia universal, que es lo que define la escultura de Pardinas.

Obras que no sólo establecen un pacto entre los hombres, también reconcilian al ser humano con la naturaleza. Al esculpir y tallar, Pardinas, de manera espontánea, ofrece a la tierra sus dones. Me imagino a Pardinas viendo un torso o un coxis en un tronco arrastrado por el mar, y al hacer ese descubrimiento, no me extrañaría que, pacíficamente, se acercaran los animales a su lado. Todas las delimitaciones que la necesidad y la arbitrariedad han establecido entre los seres humanos desaparecen en las obras de Pardinas. De la misma manera que le ocurre a esos pedazos de madera, quien los mira se siente mágicamente transformado, porque en realidad se ha convertido en otra cosa. Es casi algo sobrenatural, porque todo lo que vivía sólo en su imaginación, ahora es
percibido por todos.

La potencia artística de la naturaleza, no ya la de un ser humano individual, es la que se revela en esta obras. Y es entonces es donde con más facilidad se aprehende el increíble idealismo de Pardinas: una obra como una festividad de redención del mundo, como una celebración de la transfiguración. Diríamos que el juego de volúmenes que crea se relaciona con la arquitectura orgánica, por el desarrollo de los perfiles curvos y ondulados que definen un estudio muy cuidado de la naturaleza, tratando de facilitar el encuentro de materias y estructuras comunes, dándoles un nuevo sentido, nuevos destinos.

Hay casos en que sin intervenir directamente, ha dejado que sus figuras se modelen a sí mismas, renunciando a su propia mano. Hay otras obras en las que se limita a yuxtaponer los objetos y los materiales utilizados. Pero siempre intenta poner en relieve la fuerza figurativa de ciertos objetos naturales y crear una realidad superior por descontextualización y recontextualización de elementos extraídos de su entorno".

Joan Feliu

Universitat Jaume I