martes, 13 de junio de 2017

"Diálogo Cubista" de Albert Sesma


"Diálogo Cubista"

Del 16 de junio al 16 de julio de 2017

Inauguración: Viernes 16 de junio a las 20:00h.



Diálogo Cubista, de Albert Sesma


No es la primera vez que la Galería O+ O acoge las obras de Albert Sesma,
un artista que vierte su reconocida pasión por las estructuras geométricas
en composiciones paisajistas urbanas de gran impacto estético. En el
conjunto de su obra destaca su esfuerzo artístico por asimilar la realidad
dentro del cuadro proponiendo, en su representación objetiva, un
reencuentro con el realismo de las corrientes estilísticas más recientes.
Discípulo de Antonio López, la pintura de Albert Sesma adquiere en su
selección temática un tono documental, cuasi fotográfico, abierto a la
complejidad cromática que la realidad manifiesta como acontecimiento
temporal y causal. En esta tesitura la estructuración sistemática que
contienen sus cuadros muestran cómo su pintura concilia el alejamiento
de una imitación meramente naturalista para volcarse en categorías
formales con las que trasladar simetría en el lienzo.
En su obra sobresale la sistematización del color y la estructuración del
espacio para ofrecer un perspectiva formal donde el volumen de los
elementos acaparan la superficie del cuadro en un intento por representar
las escenas con formas cúbicas diversas y, al mismo tiempo, dotarlas de
corporeidad y materia.
De ahí lo acertado de titular la exposición “diálogo cubista”. Es más, en el
terreno del color establece una fructífera tensión lineal-geométrica con la
que consigue articular de forma dinámica la descripción objetiva que nos
propone en cada cuadro. De esta manera su pintura es el exponente de esa
nueva objetividad que reaccionó contra el arte conceptual para conectar con
la representación afirmativa de las cosas y donde la nueva figuración ha
encontrado un mundo artístico en el que anidar la conciencia de la realidad
hasta el punto más insospechado y recóndito.

Amparo Zacarés – Universitat Jaume I - UJI

Associaciò Valenciana de Crítics d´Art – AVCA


lunes, 8 de mayo de 2017

"Génesis" de Pilar Monleón


"Génesis"

Del 12 de mayo al 12 de junio de 2017

Inauguración: Viernes 12 de mayo a las 20:00h.



Génesis, de Pilar Monleón


La obra de Pilar Monleón parece inspirada por una fusión de la historia natural y la ciencia ficción que se combinan en unas pinturas que transmiten la hermosa revolución del movimiento, el espacio y el tiempo.
Desde el punto de vista de la filosofía taoísta las formas naturales no se hacen, sino que crecen, y estas obras son como una expansión natural, orgánica (por contraposición a lo mecánico).
Recurro a la referencia taoísta porque las cosas que se hacen, como las casas, los muebles y las máquinas, son un conjunto de piezas juntas, montadas o moldeadas, desde el exterior hacia el interior; pero las cosas que crecen, como las obras de Monleón, se forman de dentro hacia fuera, no son conjuntos de partes originalmente distintas, se reparten por el soporte, elaboran su propia estructura desde el todo hasta las partes, desde lo simple hasta lo complejo.
Seguramente cada una de las pinturas obedezca a un plan compositivo premeditado, a una distribución de colores y volúmenes; no le estoy restando conceptualidad a la obra, pero el resultado no es algo construido, basado  en materiales y herramientas, son obras cultivadas al igual que una flor o un árbol, pero con las semillas del color y la estética.
El resultado es una obra que emerge de procesos simples, a partir de decisiones lógicas, para terminar en una composición viva, compleja.
También me sugieren mundos ocultos, microscópicos o espaciales. Macro y micro ocurrencias orgánicas que están en curso constante, progresiones naturales que pertenecen al paso del tiempo.
Arte abstracto con una sensibilidad cruda, casi telepática, y de vibrante emoción. Pinturas que huelen a una cierta familiaridad interior, a algo muy fundamental y esencial en nuestras vidas, a las complejidades orgánicas que nos rodean, a veces con serenidad, a veces como complejos sistemas de capas de desintegración y destrucción.
Volviendo a la referencia taoísta, toda la vida responde a la evolución primitiva, tangible, de nuestro planeta, sólo que algunos, como Pilar Monleón, están un poco más cerca de la fuente. Le pediría al espectador que se posicione ante la obra y se integre dentro de las extrañas formas en evolución que se asemejan a las anémonas de mar. Puede entonces sentirse parte de la evolución del mundo, u optar por dejar volar la imaginación y soñar que está en un espacio alienígena alternativo. En cualquier caso, disfruten de una experiencia surrealista e inmersiva de la génesis del mundo que los rodea.
Joan Feliu
Universitat Jaume I

domingo, 2 de abril de 2017

"La Diversidad, un Tesoro" AL.GA.MAR

"La Diversidad, un Tesoro"


Del 7 de Abril al 7 de Mayo de 2017


Inauguración: Viernes 7 de Abril a las 20:00h.




“La Diversidad, un Tesoro”

Alfredo García - AL·GA·MAR


Las obras que se exponen en la Galería Oriente+Occidente, bajo la autoría artística de AL·GA·MAR no pueden ser más sugerentes ante la potencialidad estética que la diversidad entraña. A partir de distintos recursos técnicos el artista desarrolla un lenguaje pictórico donde da protagonismo a la diverso frente a lo homogéneo. No es una mera casualidad que retome el legado del arte contemporáneo para interpelarnos, de manera crítica y emotiva, sobre el mundo en que vivimos. De este modo la interculturalidad, como base para un mejor entendimiento y respeto mutuos, subyace en su propuesta estética desde su paso y participación en el Art Fair, celebrado en Santorini e impulsado por la UNESCO en 2016. 
Destaca el uso de la tinta china como recurso para pintar de forma espontánea y automática, propia de la fuerza abstracta y emocional con la que el artista afronta su trabajo. La experiencia sensorial la vincula con un proceso accional creativo y dinámico que manifiesta no sólo la subjetividad del mismo artista sino también la actividad propia de la tinta en su devenir dentro del lienzo o papel. En la acción ejecutada impulsivamente, sin reflexión previa, es donde emerge la autoafirmación del flujo imaginativo con el que las manchas de tinta china parecen cobrar vida. 
Junto a ello , en el tratamiento del color, utiliza acrílicos y rotuladores y como soporte papel, poliéster, lienzo o tabla. Esta técnica que incluye a la vez tinta y colores sintéticos, tiene un gran impacto estético-visual tanto en las recreaciones más figurativas como en las composiciones abstractas . En general la estructura composicional de las obras, con independencia de sus dimensiones, contiene una peculiar fuerza expresiva. Lo mismo ocurre en aquellas piezas en las que el artista se vale del collage. Puede decirse que en la combinación de estos recursos artísticos como forma de investigación pictórica, se encuentra la versatilidad de un artista profundamente marcado por la recreación de un campo expresivo, tan variado como diverso, en su afán por descubrir las múltiples posibilidades expresivas que el uso de la tinta china contiene. De ahí la originalidad de esta muestra que devuelve a la actualidad las técnicas del tachismo y del collage, con la intención de situar la capacidad cinética en las mismas manchas de tinta desde su fase inicial de creación, dejando que discurran con su propio movimiento, hasta quedar fijadas en el soporte elegido por el artista. En definitiva, es esta una exposición que tiende puentes entre lo diverso con la finalidad de evocar un mundo rico en contrastes plásticos de gran valor estético.


Amparo Zacarés – Universitat Jaume I - UJI

Associació Valenciana de Crítics d´Art - AVCA

martes, 28 de febrero de 2017

"Mar de fondo" de Antonio Pardinas

"Mar de fondo"


Del 3 al 30 de Marzo de 2017


Inauguración: Viernes 3 de Marzo a las 20:00h.



“Mar de fondo”

La Galería O+O presenta, en esta exposición, la obra escultórica de Antonio Pardinas.

“Creo firmemente que un paseo por la playa con Antonio Pardinas haría que todas las formas nos hablaran, se recrearan como si en la naturaleza no hubiera nada indiferente o innecesario. Y es que Pardinas crea con la naturaleza, modelándola solo lo necesario para hacer nacer con ella una nueva vida. Juega con apariencias naturales que no solo engañan, sino que embaucan. Con mesurada limitación, con aquel estar libre de las emociones más salvajes, con aquella sabiduría y sosiego del escultor. Y digo sosiego pensando bien el adjetivo, pues el ojo de Pardinas posee sosiego. Se halla siempre bañado en la solemnidad de la bella apariencia con que sabe convertir todo cuanto toca.

La obra anula el principium individuatiotis (principio de individuación), con lo que lo subjetivo desaparece totalmente ante la eruptiva violencia de lo general, de lo humano, y más aún, de lo natural y en consecuencia universal, que es lo que define la escultura de Pardinas.

Obras que no sólo establecen un pacto entre los hombres, también reconcilian al ser humano con la naturaleza. Al esculpir y tallar, Pardinas, de manera espontánea, ofrece a la tierra sus dones. Me imagino a Pardinas viendo un torso o un coxis en un tronco arrastrado por el mar, y al hacer ese descubrimiento, no me extrañaría que, pacíficamente, se acercaran los animales a su lado. Todas las delimitaciones que la necesidad y la arbitrariedad han establecido entre los seres humanos desaparecen en las obras de Pardinas. De la misma manera que le ocurre a esos pedazos de madera, quien los mira se siente mágicamente transformado, porque en realidad se ha convertido en otra cosa. Es casi algo sobrenatural, porque todo lo que vivía sólo en su imaginación, ahora es
percibido por todos.

La potencia artística de la naturaleza, no ya la de un ser humano individual, es la que se revela en esta obras. Y es entonces es donde con más facilidad se aprehende el increíble idealismo de Pardinas: una obra como una festividad de redención del mundo, como una celebración de la transfiguración. Diríamos que el juego de volúmenes que crea se relaciona con la arquitectura orgánica, por el desarrollo de los perfiles curvos y ondulados que definen un estudio muy cuidado de la naturaleza, tratando de facilitar el encuentro de materias y estructuras comunes, dándoles un nuevo sentido, nuevos destinos.

Hay casos en que sin intervenir directamente, ha dejado que sus figuras se modelen a sí mismas, renunciando a su propia mano. Hay otras obras en las que se limita a yuxtaponer los objetos y los materiales utilizados. Pero siempre intenta poner en relieve la fuerza figurativa de ciertos objetos naturales y crear una realidad superior por descontextualización y recontextualización de elementos extraídos de su entorno".

Joan Feliu

Universitat Jaume I

miércoles, 22 de febrero de 2017

"Orient/Occident" Kenryo Hara-Enriqueta Hueso

"ORIENT/OCCIDENT"

Kenryo Hara - Enriqueta Hueso

Exposition du  10 Mars au 22 Avril 2017

Le Vernissage aura lieu  le vendredi 10 Mars à partir de 18h.



La rencontre de deux artistes qui exposent pour la première fois en France ; une venant de Valence en Espagne, l’autre du Japon.
Au-delà des différences de cultures, un dialogue, des convergences, des résonances qui nous prouvent que les arts de l’Orient et de l’Occident peuvent être complémentaire.


lunes, 30 de enero de 2017

"SIGNIFICANTES" de DANIEL DESPOTHUIS


"Significantes"


Del 3 al 28 de Febrero de 2017


Inauguración: Viernes 3 de Febrero a las 20:00h.



“Presencia contemporánea”

La Galería O+O presenta, en esta exposición, la obra de Daniel Despothuis, nacido en 1949. Autodidacta, estudia la técnica de la pintura realizando obras figurativas. Durante este aprendizaje su búsqueda, sin embargo, no se limita a los aspectos teóricos y prácticos; su mirada se dirige ya a lo que se encuentra más allá de los objetos y temas que pinta, queriendo franquear las apariencias para aprehender sus “verdades”. Esto no satisface no obstante su voluntad de descubrir los “misterios”.
Su encuentro con Yolande Leger le permite profundizar la psicología del arte abstracto y abrirse al arte contemporáneo como lo deseaba. Desde entonces no deja de estudiar, trabajar y explorar espacios infinitos entre silencios misteriosos y simbolismo del universo. Sutil observador del mundo circundante, expresa con técnicas, materiales muy variados y heterogéneos, las transformaciones, perplejidades y dudas y la miseria espiritual en la cual se ajetrea la sociedad contemporánea.
La elección de los temas de un recorrido en las misteriosas moradas del espíritu; la seducción del misterio, la inmanencia del símbolo, las proyecciones psicológicas son las referencias porque la dominante del motivo lírico sabe transmitir e implicar al espectador.
Daniel Despothuis emplea elementos de recuperación (tejidos, sacos de yute, madera, hierro, clavos, etc…) Estos objetos están cargados de su propia energía, y de la proyección psicológica que le transferimos. Su conjunto que puede parecer heteróclito, por su composición particular, da al cuadro una energía única, global, que perturba al espectador y le abre las puertas de campos insospechados. La finalidad de su trabajo no es representar o describir algo sino ser “algo “, un objeto cargado de energía mental que el artista le incorpora para provocar en el espectador una emoción y crear un intercambio, una resonancia que revela por efecto catártico una parte escondida de su personalidad.  Ocurre lo mismo con los trazados caligráficos, trayendo una energía, un soplo vital, una fuerza, perturbando la posible certidumbre del espectador. Como dicho anteriormente la expresión supera a la representación o toda otra forma de compromiso estético.
Las obras de Daniel Despothuis son vectores de memoria, a la vez personal y universal; memoria que no permite “ser”, arraigarnos en una historia, enfrentar el mundo en su complejidad y sus dramas. El artista detiene este poder que consiste en transcender sus heridas a fin de ofrecer a sus congéneres llaves, pistas para aprehender el espacio que le rodea.
En las obras de este artista se manifiesta una dualidad entre la interioridad y el estrépito del mundo, conflicto que halla su equilibrio en la realización, en una ejecución tan particular y propia. Una diferencia, marcada, y sin embargo complementaria en el discurso subyacente.
Sus obras expuestas en numerosos países han sido premiadas. A través del arte que practica y movido por procesos simbólicos inconscientes, Daniel Despothuis manifiesta una creación impregnada de frescura y vigor, punto de partida de un viaje maravilloso que nos lleva más allá de nosotros mismos.