miércoles, 15 de enero de 2020

"Kenryo Hara & BOK- KOKU"

 Círculo de Bellas Artes de Castelló. Ars Calvi

Calle Compositor Vicente Asensio 6 Bajo. 12003 Castellón
Kenryo Hara  & BOK-KOKU
     Del 8 al 30 de enero de 2020

          Inauguración: Miércoles 8 de enero a las 19:30h.



Kenryo Hara & BOK-KOKU  

La insularidad  de Japón, su  distancia de Occidente y la mirada eurocéntrica que durante siglos predominó en el arte occidental, fueron las causas del conocimiento tardío  de las milenarias tradiciones japonesas. También en parte porque Japón, desde tiempos remotos, limitó el contacto estricto con quienes consideraba extranjeros y “bárbaros”.  No fue hasta en 1853 cuando se rompió ese aislamiento y, desde entonces, el arte  japonés ha copado el interés de numerosos especialistas y artistas que se rindieron ante la exquisita síntesis entre técnica y sensibilidad que mostraban sus producciones. Esta combinación es la que se hace evidente en la muestra que Kenryo Hara presenta en El Círculo de Bellas Artes de Castellón (“西班牙O+O画廊西方画廊).
Residente en Tokyo y de reconocida trayectoria internacional, el artista centra su atención en las inscripciones ancestrales procedentes de China durante las dinastías Shang-Zhou. Para esta ocasión reúne composiciones de varios artistas de su escuela  que  utilizan tinta sobre papel y rasgos lexicográficos que pueden confundirse con caligrafía pero que  no lo son. Es más, el triunfo del empleo de los ideogramas japoneses reside en usar caracteres para representar ideas sin valor fonético. De hecho consiste en la capacidad de dibujar conceptos para  ver, una y otra vez, lo que no ha sido ni escrito ni pronunciado. Atendiendo a los componentes del procedimiento creativo, hay que saber que  BOK = significa  tinta china y KOKU = significa  tallar. Se trata de una técnica que remite a las líneas que se encontraron talladas sobre conchas de tortugas,  huesos de animales, cerámicas y recipientes de bronce usados en rituales como símbolos de autoridad. De este modo los alumnos de Kenryo Hara  expresan un renovado interés en los antiguos caracteres chinos que conforman una escritura ideográfica a base de kanjis o ideogramas donde lo primordial son las ideas más que los sonidos o los vocablos. En consecuencia, en  los trabajos  que componen la exposición no se da una escisión entre pintura y escritura y las combinaciones de tinta, casi siempre monocromática, contienen trazos alusivos, realizados con pinceladas que han sido ejecutadas con  gran rapidez y seguridad.
De ahí la influencia que el arte japonés tuvo en Occidente en el siglo XX, en los movimientos pictóricos conocidos como  expresionismo abstracto y action painting que se decantaron más por el gesto que por el signo. Las piezas  BOK-KOKU  son un modo de traducción directa de un estado de ánimo, donde lo trazado entra en el ámbito de un proceso de evolución personal que conecta el arte con lo primitivo y lo sagrado. Lo pintado dibuja una danza psíquica que recrea una representación donde lo importante  no es que pueda enunciarse en frases o palabras sino plasmarse en imágenes que activan ideas. Se trata de un arte que no se dirige, en términos de lenguaje, a averiguar de qué hablamos cuando lo contemplamos. Más bien repara en aquello que sentimos en nuestro interior a fin de crear un nuevo tipo de inteligibilidad que no desdeña lo espiritual.
                                           

Amparo Zacarés – Universitat Jaume I – UJI
Associació Valenciana de Crítics Art  AVCA

"Convergencias y disonancias" de Massimo & Gabriele Costantini


"Convergencias y disonancias"

Del 3 de enero al 25 de enero de 2020

Inauguración: Viernes 3 de enero a las 20:00h.





Massimo & Gabriele Costantini

“Convergencias y disonancias”


Massimo y Gabriele Costantini, padre e hijo mayor, presentan diez pinturas dobles en esta muestra de dos personas. Su propósito es dar a conocer los estilos, técnicas y experiencias que los unen y los separan al mismo tiempo, por esta razón el título de la exposición es "Convergencias y disonancias".
Convergencias, porque desde 2014, aunque a menudo actúan en diferentes contextos, han compartido y confrontado dialéctica y efectivamente en todos los trabajos que han creado. Diferencias, porque (como suele suceder en las relaciones familiares de este tipo), sus expresiones artísticas y los temas tratados son completamente diferentes entre sí, así como los antecedentes culturales.
Massimo Costantini ha estado diseñando y pintando desde que era un niño, y desde 1984 ha trabajado y todavía trabaja como director de arte publicitario en una amplia gama de productos y en los más variados medios de comunicación.
Artista versátil, abarca desde pinturas sobre lienzo hasta instalaciones a gran escala con el Ayuntamiento de Milán, hasta la concepción y coordinación de residencias artísticas temáticas. A partir del surrealismo, posteriormente creó obras en estilo postimpresionista, pop art, abstracto para volver a sus orígenes recientemente. En esta exposición presenta 5 pinturas de estilo postimpresionista que representan paisajes urbanos bajo la lluvia, creados entre 2014 y 2016, y 5 pinturas visionarias, puramente surrealistas realizadas en los últimos dos años.
En cambio, Gabriele Costantini comienza como músico (pianista clásico) y solo se acerca más tarde al mundo de las artes figurativas. En este ciclo pictórico se centra en el tema del dualismo y la oposición a través de cinco pares de pinturas. La vida y la muerte, lo positivo y lo negativo, el amor y el odio son solo algunos de los temas representados. Una búsqueda interna que se filtra por experiencias vividas y que se expresa en una técnica de pintura abstracta y experimental, que utiliza colores acrílicos, aerosoles y más. Todas las pinturas presentes en la exposición se han realizado en los últimos tres meses y representan el último desarrollo de un artista que seguirá asombrando.


sábado, 23 de noviembre de 2019

"Territorios" de Nacho Gili


"Territorios"

Del 22 de noviembre al 22 de diciembre de 2019

Inauguración: Viernes 22 de noviembre a las 20:00h.





Nacho Gili “Territorios”



Territorios interiores hay muchos, tantos como estados de ánimo, pero pocos artistas los han plasmado con la sensibilidad propositiva y descriptiva de Nacho Gili. El artista, acostumbrado a darle a sus paisajes íntimos una homogeneidad estilística propia, ha presentado sus obras en el marco de muestras individuales y colectivas con las que ha recorrido el territorio nacional e internacional de diversos países. Una trayectoria ininterrumpida que le ha permitido ahondar en el tratamiento matérico de sus composiciones plásticas de tonalidades ocres, sienas, azules y blancos. Un magma en movimiento por la dirección que imprime a sus pinceladas y que parece diluirse en un universo personal en continuo dinamismo.


En toda la muestra, el artista despliega un lenguaje formal que remite a una técnica y a un estilo estético característico del proceso evolutivo del arte en nuestros días. En la línea de la abstracción-lírica, las imágenes contienen una armonía rítmica que se traslada al público a fin de activar su imaginación. Un paisaje cromático que alcanza su fuerza expresiva en la ambivalencia simultánea de lo telúrico y lo etéreo, de la oscuridad y la luz. Extremos complementarios, no contrarios, que el artista resuelve con trazos amplios y expresivos para provocar asociaciones visuales intensas. De la profundidad casi hipnótica en la que el color converge en un punto central, al relieve de la textura con la que lo orilla, sobresale un proceso artístico adicional donde la superficie tratada entreabre los bordes y los cortes de un espacio pleno de fuerza configurativa plástica.


En su tendencia a la evocación de un inmenso paisaje planetario e intimista, donde sitúa al espectador que lo contempla, puede señalarse la decisiva diferencia artística con la que Nacho Gili persiste desde hace décadas dentro de la efusión creadora del arte contemporáneo. Toda la exposición es una sugerencia estética para abocarnos a una materia ingrávida que gira y que posee en sí misma la interpretación de las circunstancias que habitualmente, al igual que al artista, nos constituyen a diario de forma sutil e imperceptible.


Amparo Zacarés – Universitat Jaume I – UJI

Associació Valenciana de Crítics d´Art – AVCA

domingo, 13 de octubre de 2019

"Sinergias" de Línea Viva


"Sinergias"

Del 18 de octubre al 17 de noviembre de 2019

Inauguración: Viernes 18 de octubre a las 20:00h.






Línea Viva“Sinergias”


La Galería O+O inaugura una nueva temporada con la producción artística del equipo Línea Viva. La trayectoria conjunta que iniciaron en 2018 los pintores Montse Lucas y Rafel Alfonso, se ha revelado prolífica desde sus comienzos y tiene visos de seguir siéndolo en el futuro. Ambos por separado cuentan con una presencia reconocida en el mundo del arte desde hace tiempo. No obstante para esta ocasión, ya constituidos en equipo, conjugan su creatividad en conseguir una composición plástica que invita al intelecto constructivamente a sumergirse en ella.

Sobresale en esta muestra la influencia de la Abstraction-Création. Se trata de una propensión artística asentada en el arte contemporáneo desde su aparición a principios del siglo pasado, vinculada desde sus orígenes a Theo van Doesburg, Naum Gabo o Georges Vantongerloo. En Línea Viva se observa esta misma tendencia, común entre un gran número de artistas abstractos, sin embargo no dejan de imprimir su personalidad y estilo a sus composiciones. En este sentido la relevancia de su obra reside en conformarla dentro de un arte constructivo donde los efectos físico-ópticos que producen las imágenes geométricas contienen un movimiento vibratorio conseguido con gran maestría. Efecto que se concentra en la disposición cromática de las líneas entrelazadas en forma de red y que dejan suspendidas en un espacio plástico tan sugerente como atrayente. Las retículas que copan el lienzo parecen ser la forma expresiva que los pintores han encontrado en esta fase artística en la que se encuentran.

Una metáfora de la imposibilidad de inmediatez en el contacto directo con las cosas que nos rodean. Redes que hoy saltan del espacio real al ciberespacio donde fluye el dinamismo de la información y los estímulos. Esa urdimbre, provista de un sutil contenido figurativo, emerge en la obra de estos artistas. Llega a ser incluso un estilo característico propio, como formulación original de la abstracción de formas que encuentran en su entorno humano y natural y que resuelven con un trazado lineal pleno de capacidad expresiva y lírica.
Sin pretensión de buscar contenido alguno, los artistas dejan que el público disfrute de la imaginación que la asociación de sus obras producen. En suma, no cabe duda que para esta muestra el equipo Línea Viva ha dejado fluir su sensibilidad autocreativa, concentrando su sello abstracto en una pintura que aúna el color y la geometría de forma articulante y emotiva.

Amparo Zacarés – Universitat Jaume I – UJI
Associació Valenciana de Crítics d´Art – AVCA



jueves, 6 de junio de 2019

kenryo Hara & BOK-KOKU

"Kenryo Hara & BOK- KOKU"

Del 31 de mayo al 14 de julio de 2019




kenryo Hara & BOK-KOKU

"Kenryo Hara & BOK- KOKU"

Del 31 de mayo al 14 de julio de 2019


Amparo Zacarés crítica de Arte realiza la presentación de la Inauguración y Performance del Maestro Kenryo Hara y su grupo de escuela Bok Koku en Galería O+O .31 de Mayo al 14 de Julio 2019