jueves, 6 de junio de 2019

kenryo Hara & BOK-KOKU

"Kenryo Hara & BOK- KOKU"

Del 31 de mayo al 14 de julio de 2019




kenryo Hara & BOK-KOKU

"Kenryo Hara & BOK- KOKU"

Del 31 de mayo al 14 de julio de 2019


Amparo Zacarés crítica de Arte realiza la presentación de la Inauguración y Performance del Maestro Kenryo Hara y su grupo de escuela Bok Koku en Galería O+O .31 de Mayo al 14 de Julio 2019

jueves, 30 de mayo de 2019

Kenryo Hara & BOK- KOKU

"Kenryo Hara & BOK- KOKU"

Del 31 de mayo al 14 de julio de 2019

Inauguración: Viernes 31 de mayo a las 20:00h.





Kenryo Hara & BOK-KOKU  



La insularidad de Japón, su distancia de Occidente y la mirada eurocéntrica que durante siglos predomi en el arte occidental, fueron las causas del conocimiento tardío  de las milenarias tradiciones japonesas. También en parte porque Japón, desde tiempos remotos, limitó el contacto estricto con quienes consideraba extranjeros y “bárbaros”.  No fue hasta en 1853 cuando se rompió ese aislamiento y, desde entonces, el arte japonés ha copado el interés de numerosos especialistas y artistas que  se rindieron ante la exquisita síntesis entre técnica y sensibilidad que mostraban sus producciones. Esta combinación es la que se hace evidente en la muestra que Kenryo Hara presenta de en la Galería O+O (Oriente & Occidente) 西班“O+O 画廊东 西方画廊).


Residente eTokyo y de reconocida trayectoria internacional, el artista centra  su atención en las inscripciones ancestrales procedentes de China durante las dinastías Shang-Zhou. Para esta ocasión reúne composiciones de varios artistas de su escuela  que utilizan tinta sobre papel y rasgos lexicográficos que pueden confundirse con caligrafía pero que  no lo son. Es más, el triunfo del empleo de los ideogramas japoneses reside en usar caracteres para representar ideas sin valor fonético. De hecho consiste en la capacidad de dibujar conceptos para  ver, una y otra vez, lo que no ha sido ni escrito ni pronunciado. Atendiendo a los componentes del procedimiento creativo, hay que saber que  BOK = significa  tinta china y KOKU = significa  tallar. Se trata de una técnica que remite a las líneas que se encontraron talladas sobre conchas de tortugas, huesos de animales, cerámicas y recipientes de bronce usados en rituales como símbolos de autoridad. De este modo los alumnos de Kenryo Hara expresan un renovado interés en los antiguos caracteres chinos que conforman una escritura ideográfica a base de kanjis o ideogramas donde lo primordial son las ideas más que los sonidos o los vocablos. En consecuencia, en  los trabajos que componen la exposición no se da una escisión entre pintura y escritura y las combinaciones de tinta, casi siempre monocromática, contienen trazos alusivos, realizados con pinceladas que han sido ejecutadas con  gran rapidez y seguridad.

De a la influencia que el arte japonés tuvo en Occidente en el siglo XX, en los movimientos pictóricos conocidos como expresionismo abstracto y action painting que se decantaron más por el gesto que por el signo. Las piezas BOK-KOKU son un modo de traducción directa de un estado de ánimo, donde lo trazado entra en el ámbito de un proceso de evolución personal que conecta el arte con lo primitivo y lo sagrado. Lo pintado dibuja una danza psíquica que recrea una representación donde lo importante no es que pueda enunciarse en frases o palabras sino plasmarse en imágenes que activan ideas. Se trata de un arte que no se dirige, en términos de lenguaje, a averiguar de qué hablamos cuando lo contemplamos. Más bien repara en aquello que sentimos en nuestro interior a fin de crear un nuevo tipo de inteligibilidad que no desdeña lo espiritual.

La secuencia rítmica de las creaciones, de este maestro de sinogramas según la tradición japonesa Kodai moji, se escenificará en la performance que los alumnos que le acompañan realizarán el mismo día de la inauguración en las instalaciones de la Galería O+O. Una ocasión única para contemplar el dinamismo creativo que ensambla la unidad plástica que representa la escuela de Kenryo Hara .






Amparo Zacarés – Universitat Jaume I – UJI
Associació Valenciana de Crítics Art AVCA

miércoles, 1 de mayo de 2019

"Su mundo loco" de Massimo Costantini

"Su mundo loco"

Del 3 de mayo al 26 de mayo de 2019

Inauguración: Viernes 3 de mayo a las 20:00h.




Massimo Costantini
“Su mundo loco”

Pocas veces la Galería O+O ha acogido la obra de un autor tan polifacético como  es Massimo Costantini. El artista lleva la investigación al terreno artístico con la vitalidad de un auténtico creador. Su línea  de trabajo cercana al surrealismo y al pop art le ha permitido utilizar diversos soportes y diversas modalidades de creación, como collages y performances, en su dilatada trayectoria profesional.
Para esta ocasión su pintura, un claro exponente de su manera de entender el arte como forma cognoscitiva de creación individual, le hace concebir la realidad de manera distante al sentir controlado por la razón. De la integración de sueño, imaginación y realidad, extrae el artista una composición cromática de gran  expansión sensitiva y expresiva. En sus obras sobresale el momento originario de la emoción con el que trabaja la técnica, hasta el punto de convertirlo en el elemento configurativo esencial de sus creaciones.
En su conjunto, esta exposición sigue la estela de los fundadores del surrealismo como fueron Apollinaire y Breton, cuyas ideas artísticas tuvieron  gran acogida  en el arte contemporáneo a nivel literario y plástico. El inconsciente y lo imaginario, el sueño y la locura, confluyen en esta muestra que potencia lo creativo ante lo destructivo  que puede llegar a ser  lo razonable en el mundo real.  
El viaje y la naturaleza se proyectan en sus composiciones como temática de la propia vida  y la de todos,  como ocurre en las obras en las que una nave naufraga  o donde la oscuridad da vértigo. Entre sus automatismos creativos,  típicos  de los  primeros surrealistas, combina pintura acrílica y rotuladores para transformar su estado anímico en una expresión plástica pletórica de fantasía. En sus composiciones abstractas el color discurre, nunca mejor dicho, en diversas direcciones pero,  ya sea circular o  en línea recta, consigue dotarles de un estilo rítmico vinculado al movimiento de las emociones. No por casualidad los hilos de color toman volumen y entran en conexión unos con otros.
En definitiva, contemplar la obra de Massimo Costantini conduce a adentrarse en un mundo interior psíquico en perpetua renovación donde puede reconocerse ritmo,  tensión y sobre todo emoción.

                                            Amparo Zacarés – Universitat Jaume I 
                Associació Valenciana de Crítics d´Art – AVCA